«Okuribito (en japonés: おくりびと, El que despide) es una película dramática dirigida por el cineasta japonés Yōjirō Takita, protagonizada por Masahiro Motoki, Ryōko Hirosue y Tsutomu Yamazaki y estrenada en 2008. Su trama describe la historia de un joven llamado Daigo y su trabajo como preparador de cadáveres en una funeraria. Es conocida en español por varios títulos diferentes: Despedidas, Final de partida, La felicidad de vivir y Violines en el cielo.»
Mi opinión sobre Okuribito, y en inglés conocida como Departures, es que es una excelente película, muy conmovedora, muy bien hecha en todo sentido. En ella encontré belleza visual, un historia muy bien contada, unas actuaciones extraordinarias y un mensaje de respeto para quienes mueren. Además, el perdón, que siempre cura. Y una cosa más, pude sumergirme dentro de esa cotidiana mesura japonesa.
EL QUE DESPIDE (Despedidas)
Para quien no pueda hacer correr el video acá en mi glog, sólo dé un clic AQUÍ.
NOTA. El párrafo entre comillas que abre esta publicación fue extraído de Wikipedia.
La decisión de Sophie (Sophie’s Choice) es una película británico-estadounidense dramática de 1982, escrita y dirigida por Alan J. Pakula y protagonizada por Meryl Streep, Kevin Kline y Peter MacNicol. Está basada en la novela homónima de William Styron.
En el verano de 1947, Stingo, un joven del sur estadounidense, aspirante a escritor, se instala en una pensión familiar de Brooklyn, en Nueva York. Su tranquilidad se verá pronto turbada por la terrible discusión de una pareja que vive en el piso de arriba. Cuando la conoce queda cautivado por el encanto y simpatía que ambos poseen. La mujer, Sophie Zawistowska, es una hermosa emigrante polaca de fe católica. El hombre, Nathan Landau, es un encantador pero desequilibrado científico de origen judío. Poco a poco, Stingo se convierte en el mejor amigo de la pareja. Mientras busca protegerla de los progresivos abusos de Nathan, Stingo se enamora de Sophie, quien sobrevivió al campo de exterminio de Auschwitz durante la Segunda Guerra Mundial, y vive atormentada por su pasado y un terrible secreto, el cual nunca había contado a nadie, y que decide revelarle a Stingo.
(La sinopsis de arriba fue tomada de Wikipedia).
INTERPRETACIÓN.
«La decisión de Sophie» se interpreta como una tragedia moral extrema que muestra el peso insoportable de una elección imposible: una madre forzada a tomar una decisión terrible durante el Holocausto.
Representa el horror absoluto de la guerra y la deshumanización. La culpa devastadora que puede perseguir a alguien toda la vida. Y cómo ciertas decisiones, aunque impuestas, pueden marcar el alma para siempre.
El final que sufren Sophie y Nathan ocurre porque están atrapados en una combinación devastadora de trauma, enfermedad mental y dependencia emocional.
¿Y Stingo, el narrador de toda la historia? Stingo es un joven sureño que llega a Nueva York en los años 40 con sueños literarios. Es idealista, solitario y en busca de una experiencia vital y artística. Se enamora platónicamente de Sophie y se convierte en amigo y confidente de ambos: Sophie y Nathan. Es testigo del horror ajeno. Aunque no vivió la guerra, escucha, observa y se enfrenta al dolor humano más extremo a través de Sophie y Nathan. Él no puede salvarlos, pero intenta comprenderlos, y ese intento lo transforma para siempre. Símbolo de la juventud confrontada con la realidad, Stingo inicia una novela como un soñador, pero la tragedia lo convierte en adulto. La historia que cuenta no sólo es la de Sophie, sino también la de su propio despertar moral y existencial.
William Styron volcó en Stingo mucho de sí mismo: su origen sureño, su deseo de escribir y su obsesión por entender el sufrimiento ajeno.
El apartamento es una película de 1960, escrita, producida y dirigida por Billy Wilder. Fue ganadora de múltiples premios. Las actuaciones principales son de Jack Lemmon, Shirley MacLaine y Fred MacMurray.
El apartamento (The Apartment) es una mezcla magistral de géneros:
Comedia. Tiene humor ingenioso, sobre todo en los enredos que vive el personaje de C.C. Baxter (Jack Lemmon), como cuando presta su departamento a los jefes para sus aventuras amorosas y debe lidiar con situaciones incómodas. Es un humor melancólico, sutil, no de carcajada fácil.
Drama. Aborda temas bastante serios: la soledad, la corrupción empresarial, el abuso de poder, el vacío emocional. Especialmente dramática es la historia de Fran Kubelik (Shirley MacLaine), atrapada en una relación tóxica con su jefe.
Romance. La relación entre Baxter y Fran es uno de los corazones de la película, pero no es un romance convencional de Hollywood. Es vulnerable, herido, y crece de una manera muy humana.
Crítica social. También se puede ver como una sátira amarga del mundo corporativo y de la hipocresía social de la época.
La influencia de El apartamento en el cine moderno es gigantesca, sobre todo en las comedias románticas inteligentes y las películas que mezclan ternura y amargura.
1-Comedias románticas más realistas. Antes de El apartamento, las comedias románticas de Hollywood solían ser muy idealizadas, casi de cuento de hadas. Billy Wilder, en cambio, mostró relaciones humanas más frágiles, llenas de dolor y contradicciones. Películas como: When Harry Met Sally (1989) y 500 Days of Summer (2009) bebieron mucho de esta idea: mostrar parejas que son imperfectas, heridas, pero profundamente reales.
2-El humor melancólico. Wilder demostró que se puede hacer reír y hacer llorar en la misma escena. Ese tono agridulce lo adoptaron directores como: Woody Allen (Annie Hall, Manhattan) y Alexander Payne (Sideways, The Descendants). Todos ellos crean historias que son cómicas, pero nos dejan una sensación de tristeza o reflexión profunda.
3-Crítica social camuflada. El apartamento es una feroz crítica al mundo corporativo, pero disimulada entre el humor y la historia de amor. Ese estilo influyó en películas como: American Beauty (1999), Up in the Air (2009), donde también se critica la soledad moderna, la ambición vacía y la hipocresía social.
En pocas palabras: La mezcla de comedia, drama, romance imperfecto y crítica social que Wilder logró en El apartamento se convirtió en el molde para muchísimas películas posteriores. Es un ADN que todavía se siente en el cine inteligente de hoy.
Para ver la película completa, den un clic abajo en la frase EL APARTAMENTO.
El apartamento fue un éxito arrasador en premios, especialmente en los Premios Óscar de 1961. Premios Óscar (1961). Ganó 5 Óscar, incluyendo: mejor película, mejor director (Billy Wilder), mejor guion original (Billy Wilder y I.A.L. Diamond), mejor montaje, mejor dirección de arte (blanco y negro).
También tuvo nominaciones en: mejor actor (Jack Lemmon), mejor actriz (Shirley MacLaine), mejor actor de reparto (Jack Kruschen), mejor fotografía (blanco y negro), mejor sonido.
Dato curioso: Fue la última película en blanco y negro en ganar el Óscar a Mejor Película, hasta que The Artist (2011) lo volvió a hacer ¡más de 50 años después!
Hace 30 años (en 1994) se estrenó la película Pulp Fiction, del guionista y director Quentin Tarantino. ¿Cuál fue su repercusión en el mundo del cine? Les dejo aquí estos dos interesantes videos en donde se analiza la famosa película y se intenta contestar esa pregunta.
Todo inició con Breaking bad, como un inmenso Big bang. Y luego apareció su precuela: Better call Saul, como el desarrollo y cierre de todo un universo.
Ambas series son extremadamente excelentes. Yo me decanto más por Better call Saul, porque es más íntima; sin embargo, se podría también ver desde el punto de vista de que ambas series son, en realidad, una misma historia gigante contada desde distintos puntos de vista y en tiempos diferentes.
Amo las dos series.
Pero para un análisis bien hecho, les dejo abajo el video de Un Vil Insomne en donde se hace un contraste entre ambas series. (Spoiler alert!)
Si no pueden hacer correr el video acá en mi blog, entonces den un clic AQUÍ.
El 6 de enero de 2022 falleció, a los 95 años de edad, el actor Sidney Poitier. En su homenaje les dejo aquí dos de sus grandes películas, ambas de 1967.
He visto los tres episodios del documental Get back, de Peter Jackson, que trata de cómo Los Beatles crearon, ensayaron y grabaron su álbum Let it be.
He aquí un par de palabras acerca de esto, para los que son seguidores de la música del cuarteto de Liverpool.
Lo primero que diré es que me impresionó la calidad de las imágenes, ya restauradas por la tecnología del siglo XXI. De entrada, al ver las primeras tomas, me sentí como si yo hubiera estado junto a Los Beatles. Es la verdad, se siente todo tan cercano. Pienso que este documental cumple el sueño de los que admiramos tanto a Los Beatles: el de estar casi sentados junto a ellos dándonos cuenta de cómo la magia iba cobrando vida. Canciones que luego formaron parte del álbum Let it be y otras del Abbey road, como I´ve got a feeling, Across the universe, Golden slumbers/Carry that weight, o Maxwell’s silver hammer van emergiendo poco a poco.
(Sólo ver la primera parte del documental me hizo recordar que la música causa un bienestar en la mente y en el corazón, y eso me motivó a escribir, a mi manera por supuesto, −“Tu mente”−, una nueva canción, una más en mi lista de mis poco pegajosas (y quizá feas ) canciones, pero que me hacen tan feliz).
Pero volviendo a Los Beatles, es bonito ver cómo van apareciendo las ideas primigenias, embrionarias, de sus canciones. Ver por ejemplo a George Harrison sentado al piano tocando Old Brown shoe y decir que, aunque no sabe tocar mucho el piano, nunca habría compuesto esa canción en la guitarra; escuchar a Lennon improvisando letras en una canción en el mismo momento de estar tocando; escuchar a McCartney tocar el piano mientras canta casi con nostalgia Strawberry fields forever; o ver a Ringo aventarse en son de broma una descarga en la batería, etc. Me gustó también ver cómo se daban ideas unos a otros.
Me llamó la atención también lo relajado del ambiente en muchas ocasiones y las continuas bromas que hacen. Interesantes sus pláticas, como por ejemplo cuando Lennon menciona con orgullo que había escuchado cantar a Vera Lynn las canciones de Los Beatles Good night yThe fool on the hill.(Por cierto, Pink Floyd le dedica una canción a Vera Lynn en su álbum The Wall). O como cuando hablan en buena onda de otros músicos, como Los Rolling stones, Stevie Wonder, Fleetwood Mac o Canned heat. O como cuando Harrison le pregunta a McCartney si no es mejor su bajo Rickenbacker y Paul le contesta que le gusta más su viola bass, el Höfner.
Me gustó cuando escuché a Harrison hablar en el episodio uno de Billy Preston y recordar de cuando lo conocieron en Hamburgo y que Preston siempre les pedía que cantaran A taste of honey. Y me encantó ver, en el episodio dos, cómo todos en el estudio de grabación, muchos días después, se sintieron muy felices de ver llegar a Billy Preston.
Interesante asimismo ver las discusiones y los desacuerdos entre Los Beatles. Harrison abandonó al grupo durante unos días (y eso ya lo había hecho también Ringo, pero durante las sesiones del álbum Blanco), y al final del primer episodio se percibe la tristeza en los otros tres Beatles al sentirse incompletos. Y de música de fondo se escucha a George Harrison cantando solo con su guitarra Isn’t it a pity. Sin embargo, en el segundo episodio, cuando regresa Harrison, se siente un ambiente mucho más cálido y alegre.
Pienso que este documental lo disfrutarán mucho, mucho los fanáticos de Los Beatles, como nosotros. Está hecho para que todo el mundo lo vea, por supuesto, pero pienso que está hecho especialmente para las personas que, como nosotros, hemos escuchado mil veces todos los álbumes de estudio de Los Beatles.
En diciembre de 1981, en medio de la guerra civil, se llevó a cabo en El Salvador la masacre contemporánea más grande de América Latina, conocida como la masacre del Mozote, en donde fueron asesinadas, en el transcurso de 3 días, 986 personas civiles, de las cuales 479 eran del sexo femenino (12 de ellas estaban embarazadas) y 507 del sexo masculino. Lo menores de edad fueron un total de 546 (más los 12 bebés no nacidos).
Del macabro hecho hay pruebas testimoniales, especialmente lo que relató la sobreviviente Rufina Amaya Márquez.
Además, en 1992 el prestigioso Equipo Argentino de Antropología Forense realizó la exhumación de los cadáveres.
Rufina Amaya.
Sin más palabras, los dejo aquí con el documental dirigido por Oscar Orellana.
«Los revolucionarios que matan para castigar la discrepancia, son tan criminales como los militares que matan para perpetuar la injusticia.»
Eduardo Galeano.
Estamos en mayo, mes de Roque Dalton.
Y es que Roque nació un 14 de mayo y fue asesinado un 10 de mayo. Y en el 2013 la Asamblea Legislativa salvadoreña declara que el 14 de mayo de cada año se celebrará el “Día Nacional de la Poesía”.
Por eso esta semana les ofrezco la sugerencia de ver aquí en mi blog un documental muy interesante.
«Fusilemos la noche» es un largometraje documental de 2013 dirigido por la periodista, activista política y cineasta austríaca Tina Leisch, que trata sobre la vida de Roque Dalton (14 de mayo de 1935 – 10 de mayo de 1975), uno de los poetas más sobresalientes de El Salvador.
El título del documental se deriva precisamente de un poema de Dalton que se llama «Aída fusilemos la noche», el cual les dejo más adelante, antes del avance de la película.
El documental empieza con la lectura de algunos fragmentos de algunos poemas de Dalton, los cuales se van intercalando en el trascurso de la historia. Un detalle que le pone mucha belleza al largometraje y que además motiva la imaginación, es presentar a cada momento fotografías de Roque, de gran tamaño, en los lugares adecuados y junto a las personas que cuentan cosas del poeta.
Pero la parte medular de la película se centra el los testimonios de quienes conocieron a Roque Dalton y además en su vida, la cual se va llevando por partes y por supuesto tomando en cuenta los diversos sitios geográficos en que vivió Dalton, iniciando con El Salvador 1935-1960. Luego sigue con Cuba 1961-1962, El Salvador 1963-1964, Praga 1964-1967, Viena 1967, Cuba 1968-1973 y El Salvador 1974-1975.
Entre los que lo conocieron y cuentan sus anécdotas y recuerdos sobre Roque están: Víctor Hugo Iraheta, Luis Domínguez Parada, Manlio Argueta, José Roberto Cea, Eliza Meza Romero, José Napoleón Rodríguez Ruíz, Aída Cañas de Dalton, Breny Cuenca, Eduardo Badía Serra, Roberto Fernández Retamar, Eraclio Zepeda, Míriam Chichay, Carlos Jurado, Ricardo Castrorrivas, Henry Ruiz, Ernesto Cardenal, Jorge Dalton, Rafael Moreno, Nina Serrano, Mirta Ibarra, Régis Debray, Rogelio París, Guillermo Rodríguez Rivera, Fernando López Junqué (Chinolope), Esperanza Rodríguez Piñero, Tirso Canales, Eduardo Galeano, Santos Lino, Saúl Mendoza, Porfirio Hernández, Eduardo Sáncho, Juan José Dalton, entre otros.
Tina Leisch.
Es también muy interesante la explicación que da Marco Hernández sobre el contexto político en el momento en que Dalton regresa a El Savador en 1973, así como la visión que nos ofrece de cómo estaba conformado el grupo clandestino ERP (culpable del asesinato de Dalton).
El día del estreno del documental en el MUPI. De izquierda a derecha: el cineasta Jorge Dalton (hijo del poeta Roque Dalton), Carlos Henríquez Consalvi (director del MUPI) y Tina Leisch.
Es realmente necesario que este documental sea visto por los salvadoreños. Ojalá que en un futuro no muy lejano pueda ser exhibido durante varias semanas en los cines del país, y en las escuelas y bachilleratos de todo el territorio salvadoreño.
Loving Vincent es una película del año 2017, verdaderamente bella y conmovedora, que trata sobre el día de la muerte del pintor Vincent va Gogh y sobre los días cercanamente posteriores a ese trágico hecho. En realidad la historia es biográfica, pero se centra más en su último día de vida.
Al pensar en el proceso que tomó hacer esta película, no podemos menos que maravillarnos. Pensar que 100 pintores fueron creando escena tras escena, es algo asombroso y digno de admirar. Y es la primera película en su género.
Este largometraje es principalmente un grandioso homenaje visual y de contenido hacia el pintor holandés.
Aquí les dejo el avance.
(La película completa ya está disponible en Netflix.)
La Cucaracha es una de esas películas que me gustan mucho, porque tiene ciertas escenas muy conmovedoras, que muestran la esencia de los seres humanos. Por supuesto que su trama y el desarrollo de los personajes están totalmente ligados a la geografía y a cierto período de la historia mexicana y sus clases sociales.
Hace tiempos que no veía un largometraje tan bello, tan poético y tan bien hecho, que mostrara la grandeza de la enseñanza. Y además, tan incrustado en la realidad, con sus crueldades e injusticias.
La lengua de las mariposas en una película dirigida por José Luis Cuerda, que vio la luz en 1999.
El cortometraje Rúbaí, de 2013, dirigido por Louise Ní Fhiannachta y escrito por Antoin Beag Ó Colla, fue premiado como el mejor cortometraje irlandés en el Charlie Chaplin Comedy Film Festival en Kerry en el 2013 y también fue premiado en el Galway Film Fleadh.
La trama es simple, pero sumamente aleccionadora. No les adelantaré nada. Pero les aseguro que disfrutarán de los aproximadamente 11 minutos que dura este corto.
Sin más palabras, les dejo con Rúbaí (está subtitulado).
Emma Zunz y Días de odio, son dos películas basadas en el cuento «Emma Zunz», de Jorge Luis Borges, perteneciente a su libro El Aleph, de 1949.
Emma Zunz es una película de 1993 dirigida por Benoit Jacquot. Días de odio es una película de 1954, dirigida por Leopoldo Torre Nilsson.
A continuación, les dejo aquí en mi blog ambas películas, así como también el cuento de Borges en que están basadas ambos largometrajes. Sigue leyendo «EMMA ZUNZ y DÍAS DE ODIO»→
Notting Hill es una comedia romántica de 1999 dirigida por Roger Michell y guión escrito por Richard Curtis.
Los personajes principales del largometraje son Anna Scott (protagonizada por Julia Roberts) y William Thacker (Hugh Grant) y trata de cómo una famosa actriz de cine se enamora de un sujeto más bien común, cuyo negocio es una librería. La química entre estos dos actores es tremendamente buena.
(No puedo dejar de mencionar la gran actuación de Rhys Ifans, como Spike, el excéntrico y un poco chiflado amigo de Thacker.)
Son tantos los escritores maravillosos en el mundo, pero Jorge Luis Borges ha sido y será para mí el más grande. Los libros de Borges han sido una luz en mis días.
Uno de los más bellos cuentos escritos por Jorge Luis Borges (Buenos Aires 1989-Ginebra 1986), «El Aleph», está dedicado a Estela Canto. Recuerdo que cuando terminé de leer por primera vez ese cuento, hace ya muchos años, quedé fascinado, totalmente atrapado por su belleza (como cuando escuché por primera vez de un solo tirón el álbum Abbey Road, de Los Beatles). Entonces, recuerdo bien, que me detuve en la dedicatoria (que estaba al final y no al inicio del cuento) y me intrigó mucho ese nombre: Estela Canto.
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN. Haciendo uso de mi libertad de expresión. El Salvador, en la América Central. Publicación cada martes. (Y en ocasiones, podrán encontrar dos publicaciones por semana). 