«Okuribito (en japonés: おくりびと, El que despide) es una película dramática dirigida por el cineasta japonés Yōjirō Takita, protagonizada por Masahiro Motoki, Ryōko Hirosue y Tsutomu Yamazaki y estrenada en 2008. Su trama describe la historia de un joven llamado Daigo y su trabajo como preparador de cadáveres en una funeraria. Es conocida en español por varios títulos diferentes: Despedidas, Final de partida, La felicidad de vivir y Violines en el cielo.»
Mi opinión sobre Okuribito, y en inglés conocida como Departures, es que es una excelente película, muy conmovedora, muy bien hecha en todo sentido. En ella encontré belleza visual, un historia muy bien contada, unas actuaciones extraordinarias y un mensaje de respeto para quienes mueren. Además, el perdón, que siempre cura. Y una cosa más, pude sumergirme dentro de esa cotidiana mesura japonesa.
EL QUE DESPIDE (Despedidas)
Para quien no pueda hacer correr el video acá en mi glog, sólo dé un clic AQUÍ.
NOTA. El párrafo entre comillas que abre esta publicación fue extraído de Wikipedia.
La decisión de Sophie (Sophie’s Choice) es una película británico-estadounidense dramática de 1982, escrita y dirigida por Alan J. Pakula y protagonizada por Meryl Streep, Kevin Kline y Peter MacNicol. Está basada en la novela homónima de William Styron.
En el verano de 1947, Stingo, un joven del sur estadounidense, aspirante a escritor, se instala en una pensión familiar de Brooklyn, en Nueva York. Su tranquilidad se verá pronto turbada por la terrible discusión de una pareja que vive en el piso de arriba. Cuando la conoce queda cautivado por el encanto y simpatía que ambos poseen. La mujer, Sophie Zawistowska, es una hermosa emigrante polaca de fe católica. El hombre, Nathan Landau, es un encantador pero desequilibrado científico de origen judío. Poco a poco, Stingo se convierte en el mejor amigo de la pareja. Mientras busca protegerla de los progresivos abusos de Nathan, Stingo se enamora de Sophie, quien sobrevivió al campo de exterminio de Auschwitz durante la Segunda Guerra Mundial, y vive atormentada por su pasado y un terrible secreto, el cual nunca había contado a nadie, y que decide revelarle a Stingo.
(La sinopsis de arriba fue tomada de Wikipedia).
INTERPRETACIÓN.
«La decisión de Sophie» se interpreta como una tragedia moral extrema que muestra el peso insoportable de una elección imposible: una madre forzada a tomar una decisión terrible durante el Holocausto.
Representa el horror absoluto de la guerra y la deshumanización. La culpa devastadora que puede perseguir a alguien toda la vida. Y cómo ciertas decisiones, aunque impuestas, pueden marcar el alma para siempre.
El final que sufren Sophie y Nathan ocurre porque están atrapados en una combinación devastadora de trauma, enfermedad mental y dependencia emocional.
¿Y Stingo, el narrador de toda la historia? Stingo es un joven sureño que llega a Nueva York en los años 40 con sueños literarios. Es idealista, solitario y en busca de una experiencia vital y artística. Se enamora platónicamente de Sophie y se convierte en amigo y confidente de ambos: Sophie y Nathan. Es testigo del horror ajeno. Aunque no vivió la guerra, escucha, observa y se enfrenta al dolor humano más extremo a través de Sophie y Nathan. Él no puede salvarlos, pero intenta comprenderlos, y ese intento lo transforma para siempre. Símbolo de la juventud confrontada con la realidad, Stingo inicia una novela como un soñador, pero la tragedia lo convierte en adulto. La historia que cuenta no sólo es la de Sophie, sino también la de su propio despertar moral y existencial.
William Styron volcó en Stingo mucho de sí mismo: su origen sureño, su deseo de escribir y su obsesión por entender el sufrimiento ajeno.
El apartamento es una película de 1960, escrita, producida y dirigida por Billy Wilder. Fue ganadora de múltiples premios. Las actuaciones principales son de Jack Lemmon, Shirley MacLaine y Fred MacMurray.
El apartamento (The Apartment) es una mezcla magistral de géneros:
Comedia. Tiene humor ingenioso, sobre todo en los enredos que vive el personaje de C.C. Baxter (Jack Lemmon), como cuando presta su departamento a los jefes para sus aventuras amorosas y debe lidiar con situaciones incómodas. Es un humor melancólico, sutil, no de carcajada fácil.
Drama. Aborda temas bastante serios: la soledad, la corrupción empresarial, el abuso de poder, el vacío emocional. Especialmente dramática es la historia de Fran Kubelik (Shirley MacLaine), atrapada en una relación tóxica con su jefe.
Romance. La relación entre Baxter y Fran es uno de los corazones de la película, pero no es un romance convencional de Hollywood. Es vulnerable, herido, y crece de una manera muy humana.
Crítica social. También se puede ver como una sátira amarga del mundo corporativo y de la hipocresía social de la época.
La influencia de El apartamento en el cine moderno es gigantesca, sobre todo en las comedias románticas inteligentes y las películas que mezclan ternura y amargura.
1-Comedias románticas más realistas. Antes de El apartamento, las comedias románticas de Hollywood solían ser muy idealizadas, casi de cuento de hadas. Billy Wilder, en cambio, mostró relaciones humanas más frágiles, llenas de dolor y contradicciones. Películas como: When Harry Met Sally (1989) y 500 Days of Summer (2009) bebieron mucho de esta idea: mostrar parejas que son imperfectas, heridas, pero profundamente reales.
2-El humor melancólico. Wilder demostró que se puede hacer reír y hacer llorar en la misma escena. Ese tono agridulce lo adoptaron directores como: Woody Allen (Annie Hall, Manhattan) y Alexander Payne (Sideways, The Descendants). Todos ellos crean historias que son cómicas, pero nos dejan una sensación de tristeza o reflexión profunda.
3-Crítica social camuflada. El apartamento es una feroz crítica al mundo corporativo, pero disimulada entre el humor y la historia de amor. Ese estilo influyó en películas como: American Beauty (1999), Up in the Air (2009), donde también se critica la soledad moderna, la ambición vacía y la hipocresía social.
En pocas palabras: La mezcla de comedia, drama, romance imperfecto y crítica social que Wilder logró en El apartamento se convirtió en el molde para muchísimas películas posteriores. Es un ADN que todavía se siente en el cine inteligente de hoy.
Para ver la película completa, den un clic abajo en la frase EL APARTAMENTO.
El apartamento fue un éxito arrasador en premios, especialmente en los Premios Óscar de 1961. Premios Óscar (1961). Ganó 5 Óscar, incluyendo: mejor película, mejor director (Billy Wilder), mejor guion original (Billy Wilder y I.A.L. Diamond), mejor montaje, mejor dirección de arte (blanco y negro).
También tuvo nominaciones en: mejor actor (Jack Lemmon), mejor actriz (Shirley MacLaine), mejor actor de reparto (Jack Kruschen), mejor fotografía (blanco y negro), mejor sonido.
Dato curioso: Fue la última película en blanco y negro en ganar el Óscar a Mejor Película, hasta que The Artist (2011) lo volvió a hacer ¡más de 50 años después!
Hace 30 años (en 1994) se estrenó la película Pulp Fiction, del guionista y director Quentin Tarantino. ¿Cuál fue su repercusión en el mundo del cine? Les dejo aquí estos dos interesantes videos en donde se analiza la famosa película y se intenta contestar esa pregunta.
El 6 de enero de 2022 falleció, a los 95 años de edad, el actor Sidney Poitier. En su homenaje les dejo aquí dos de sus grandes películas, ambas de 1967.
He visto los tres episodios del documental Get back, de Peter Jackson, que trata de cómo Los Beatles crearon, ensayaron y grabaron su álbum Let it be.
He aquí un par de palabras acerca de esto, para los que son seguidores de la música del cuarteto de Liverpool.
Lo primero que diré es que me impresionó la calidad de las imágenes, ya restauradas por la tecnología del siglo XXI. De entrada, al ver las primeras tomas, me sentí como si yo hubiera estado junto a Los Beatles. Es la verdad, se siente todo tan cercano. Pienso que este documental cumple el sueño de los que admiramos tanto a Los Beatles: el de estar casi sentados junto a ellos dándonos cuenta de cómo la magia iba cobrando vida. Canciones que luego formaron parte del álbum Let it be y otras del Abbey road, como I´ve got a feeling, Across the universe, Golden slumbers/Carry that weight, o Maxwell’s silver hammer van emergiendo poco a poco.
(Sólo ver la primera parte del documental me hizo recordar que la música causa un bienestar en la mente y en el corazón, y eso me motivó a escribir, a mi manera por supuesto, −“Tu mente”−, una nueva canción, una más en mi lista de mis poco pegajosas (y quizá feas ) canciones, pero que me hacen tan feliz).
Pero volviendo a Los Beatles, es bonito ver cómo van apareciendo las ideas primigenias, embrionarias, de sus canciones. Ver por ejemplo a George Harrison sentado al piano tocando Old Brown shoe y decir que, aunque no sabe tocar mucho el piano, nunca habría compuesto esa canción en la guitarra; escuchar a Lennon improvisando letras en una canción en el mismo momento de estar tocando; escuchar a McCartney tocar el piano mientras canta casi con nostalgia Strawberry fields forever; o ver a Ringo aventarse en son de broma una descarga en la batería, etc. Me gustó también ver cómo se daban ideas unos a otros.
Me llamó la atención también lo relajado del ambiente en muchas ocasiones y las continuas bromas que hacen. Interesantes sus pláticas, como por ejemplo cuando Lennon menciona con orgullo que había escuchado cantar a Vera Lynn las canciones de Los Beatles Good night yThe fool on the hill.(Por cierto, Pink Floyd le dedica una canción a Vera Lynn en su álbum The Wall). O como cuando hablan en buena onda de otros músicos, como Los Rolling stones, Stevie Wonder, Fleetwood Mac o Canned heat. O como cuando Harrison le pregunta a McCartney si no es mejor su bajo Rickenbacker y Paul le contesta que le gusta más su viola bass, el Höfner.
Me gustó cuando escuché a Harrison hablar en el episodio uno de Billy Preston y recordar de cuando lo conocieron en Hamburgo y que Preston siempre les pedía que cantaran A taste of honey. Y me encantó ver, en el episodio dos, cómo todos en el estudio de grabación, muchos días después, se sintieron muy felices de ver llegar a Billy Preston.
Interesante asimismo ver las discusiones y los desacuerdos entre Los Beatles. Harrison abandonó al grupo durante unos días (y eso ya lo había hecho también Ringo, pero durante las sesiones del álbum Blanco), y al final del primer episodio se percibe la tristeza en los otros tres Beatles al sentirse incompletos. Y de música de fondo se escucha a George Harrison cantando solo con su guitarra Isn’t it a pity. Sin embargo, en el segundo episodio, cuando regresa Harrison, se siente un ambiente mucho más cálido y alegre.
Pienso que este documental lo disfrutarán mucho, mucho los fanáticos de Los Beatles, como nosotros. Está hecho para que todo el mundo lo vea, por supuesto, pero pienso que está hecho especialmente para las personas que, como nosotros, hemos escuchado mil veces todos los álbumes de estudio de Los Beatles.
Loving Vincent es una película del año 2017, verdaderamente bella y conmovedora, que trata sobre el día de la muerte del pintor Vincent va Gogh y sobre los días cercanamente posteriores a ese trágico hecho. En realidad la historia es biográfica, pero se centra más en su último día de vida.
Al pensar en el proceso que tomó hacer esta película, no podemos menos que maravillarnos. Pensar que 100 pintores fueron creando escena tras escena, es algo asombroso y digno de admirar. Y es la primera película en su género.
Este largometraje es principalmente un grandioso homenaje visual y de contenido hacia el pintor holandés.
Aquí les dejo el avance.
(La película completa ya está disponible en Netflix.)
La Cucaracha es una de esas películas que me gustan mucho, porque tiene ciertas escenas muy conmovedoras, que muestran la esencia de los seres humanos. Por supuesto que su trama y el desarrollo de los personajes están totalmente ligados a la geografía y a cierto período de la historia mexicana y sus clases sociales.
Hace tiempos que no veía un largometraje tan bello, tan poético y tan bien hecho, que mostrara la grandeza de la enseñanza. Y además, tan incrustado en la realidad, con sus crueldades e injusticias.
La lengua de las mariposas en una película dirigida por José Luis Cuerda, que vio la luz en 1999.
Emma Zunz y Días de odio, son dos películas basadas en el cuento «Emma Zunz», de Jorge Luis Borges, perteneciente a su libro El Aleph, de 1949.
Emma Zunz es una película de 1993 dirigida por Benoit Jacquot. Días de odio es una película de 1954, dirigida por Leopoldo Torre Nilsson.
A continuación, les dejo aquí en mi blog ambas películas, así como también el cuento de Borges en que están basadas ambos largometrajes. Sigue leyendo «EMMA ZUNZ y DÍAS DE ODIO»→
Notting Hill es una comedia romántica de 1999 dirigida por Roger Michell y guión escrito por Richard Curtis.
Los personajes principales del largometraje son Anna Scott (protagonizada por Julia Roberts) y William Thacker (Hugh Grant) y trata de cómo una famosa actriz de cine se enamora de un sujeto más bien común, cuyo negocio es una librería. La química entre estos dos actores es tremendamente buena.
(No puedo dejar de mencionar la gran actuación de Rhys Ifans, como Spike, el excéntrico y un poco chiflado amigo de Thacker.)
Son tantos los escritores maravillosos en el mundo, pero Jorge Luis Borges ha sido y será para mí el más grande. Los libros de Borges han sido una luz en mis días.
Uno de los más bellos cuentos escritos por Jorge Luis Borges (Buenos Aires 1989-Ginebra 1986), «El Aleph», está dedicado a Estela Canto. Recuerdo que cuando terminé de leer por primera vez ese cuento, hace ya muchos años, quedé fascinado, totalmente atrapado por su belleza (como cuando escuché por primera vez de un solo tirón el álbum Abbey Road, de Los Beatles). Entonces, recuerdo bien, que me detuve en la dedicatoria (que estaba al final y no al inicio del cuento) y me intrigó mucho ese nombre: Estela Canto.
Nunca he sido muy asiduo a los deportes; pero de vez en cuando veo fútbol, boxeo o baloncesto. Y billar. El boxeo me llamó la atención porque mi papá lo veía cuando yo era niño y de verdad se emocionaba mucho; lo recuerdo bien mirando aquellas famosas peleas de Mohamed Alí.
Por eso me sentí atraído a mirar la película de 2016 Manos de piedra, escrita y dirigida por el venezolano Jonathan Jakubowicz. Además porque me di cuenta que actuaban Robert De Niro, Rubén Blades y John Turturro .
(Algunos seguramente se cuestionarán si se le puede llamar deporte a dos hombres dándose golpes de principio a fin. Ese podría ser tema para otra publicación.)
Édgar Ramírez y Ana de Armas.
La película aborda la biografía del famoso boxeador panameño Roberto «Manos de piedra» Durán, su carrera pugilística, así como también algunos acontecimientos históricos que afectaron a Roberto Durán, especialmente los referentes al Canal de Panamá, el tratado Torrijos-Carter y el supuesto asesinato del Presidente Torrijos. Sigue leyendo «MANOS DE PIEDRA. Una película de Jonathan Jakubowicz»→
Si no fuera por el acento al hablar, todo lo que ocurre en esta película bien podría estar ocurriendo en El Salvador. Salvando las diferencias por supuesto, las similitudes de exclusión social y falta de justicia entre Argentina y El Salvador son muchas.
El subdesarrollo, la pobreza, la violencia en una zona marginal, es donde se desarrolla la trama de la película Elefante blanco (del año 2012), dirigida por el argentino Pablo Trapero.
Esta película boliviana del año 2007, se desarrolla en la ciudad de Uyuni, un lugar en todo gira al rededor de las minas. Ambientada en los años ´20s del siglo pasado, nos muestra la ambición, la xenofobia y la intolerancia religiosa. Pero también el valor de ser genuino o fiel a uno mismo, valor encarnado en los personajes de Alfonso Claros y Claudina Morales.
Klass (La clase) es una obra cinematográfica de Estonia del año 2007, escrita y dirigida por Ilmar Raag. Es una película de ficción, pero basada en hechos reales.
Toda la trama se desarrolla en una escuela secundaria y específicamente en una clase. El tema central es el abuso físico y psicológico que casi toda una clase hace sobre uno de sus compañeros.
Sin embargo, con la evolución de la historia, puede uno preguntarse, ¿qué pasa en la sociedad para que estos estudiantes de bachillerato actúen de esa manera?
Pärt Uusberg y Vallo Kirs.
Los protagonista principales son: Joosep, Kaspar y Anders. Joosep (Pärt Uusberg) es un joven introvertido, tímido, poco sociable, que con el pasar de los días se vuelve amigo de Kaspar (Vallo Kirs). Anders (Lauri Pedaja) personifica al matón que dirige a sus compañeros de clases, es el que organiza la violencia y decide los «castigos» contra Joosep.
El valor de la solidaridad se ve reflejado en Kaspar; y todo aquello negativo en cuanto al acoso escolar (conocido en muchas partes del mundo con la palabra inglesa bullying) lo podemos encontrar en el resto de compañeros de clase de Joosep.
También, en este punto, sería importante hacer notar la poca comunicación y falta de confianza entre los alumnos y sus padres y profesores. Este punto no es vano; a través de la confianza y la comunicación, el final de esta historia pudo haber sido muy diferente.
Lauri Pedaja.
Este largometraje es intenso, con escenas que, aunque a veces no son tan explícitas, tienen la fuerza suficiente para golpear la consciencia del espectador e involucrarlo en la trama; ésto no sólo por la manera en que el director narra cinematográficamente la historia, sino gracias a las actuaciones, que son verdaderamente convincentes.
Es de hacer notar que la fotografía, de Kristjan-Jaak Nuudi, que tiene un tono frío y sombrío, tal como el clima de la época del año en que se lleva a cabo la historia, hace juego perfectamente con el ambiente tan adverso hacia Joosep y el comportamiento aberrante de sus compañeros.
Aunque al inicio de la película hacen ver que la historia está basada en un hecho real, no se especifica en cuál; una pista la encontramos casi al final, en la mochila de Joosep, en donde me parece que dice Columbine, lo que nos podría llevar a pensar en los trágicos acontecimientos que ocurrieron en el bachillerato de Littleton, Colorado (U.S.A.), en 1999.
El asesinato y el suicidio son temas que causan controversia, que tienen orígenes múltiples y combinados, y en donde entran la psicología, la sociología y la antropología a dar explicación. Las relaciones familiares deberán tomarse muy en cuenta a la hora de evaluar las conductas de los estudiantes.
Klass, que estuvo nominada al Oscar como mejor película en lenguaje extranjero, es uno de esos largos que no podemos dejar de ver, por la temática tan actual y cruda, por la excelente dirección y por la autenticidad de las actuaciones.
«También la lluvia» es una película de 2010 dirigida por Icíar Bollaín y guion escrito por Paul Laverty. Fue seleccionada para representar ese mismo año a España en los Oscar. Fue rodada en Bolivia y gran parte de las escenas fueron hechas en la ciudad de Cochabamba.
Cuenta con las actuaciones especiales Luis Tosar y Gael García Bernal.
Icíar Bollaín, la directora de esta película, nació en España y es también actriz.
El colonialismo que sufrió América después de la conquista, en este largometraje se muestra con un nuevo rostro, pero al ver el trasfondo de todo, se da cuenta uno que de alguna manera sigue vivo y que sigue siendo el mismo, es decir, un sistema para fastidiar a los más pobres.
Esta es una de esas películas que no deberíamos dejar de ver, por lo que, sin más preámbulos, les dejo aquí el enlace para que puedan verla.
Para poder ver esta película sólo den un clic al siguiente enlace: TAMBIÉN LA LLUVIA
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN. Haciendo uso de mi libertad de expresión. El Salvador, en la América Central. Publicación cada martes. (Y en ocasiones, podrán encontrar dos publicaciones por semana). 