Haciendo uso de mi libertad de expresión. El Salvador, en la América Central. Publicación cada martes.
Esta versión de la canción Helios viene con un masterizado hecho por Saulo Records, por eso se las traigo esta semana.
HELIOS
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HELIOS
(Dedicada a Laura María).
Música y letra: ÓSCAR PERDOMO LEÓN.
(With English translation).
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Bajo eléctrico, guitarras y voces: OPL
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Batería y violines: Bucles de Cakewalk.
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Edición musical: O. P. L.
Masterización 1: SAULO RECORD (julio de 2025).
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El Salvador en la América Central.
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Esta bala fue también otras cosas es una canción basada en «In Memoriam J.F.K»., de Jorge Luis Borges. Esa prosa la pueden encontrar en su libro El Hacedor.
ESTA BALA FUE TAMBIÉN OTRAS COSAS
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Música y letra: Óscar Perdomo León.
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Bajo, guitarras y voces: O. P. L.
Batería: Loops de Cakewalk.
Edición musical casera.
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Estas dos canciones son de mis favoritas de Sting: SHAPE OF MY HEART y I WAS BROUGHT TO MY SENSES.
1-«Shape of My Heart» es una canción lanzada en agosto de 1993 por A&M Records como el quinto sencillo de su cuarto álbum en solitario, Ten Summoner’s Tales (1993). La canción fue escrita por Sting y el guitarrista Dominic Miller y cuenta con la armónica tocada por Larry Adler.
Se utilizó para los créditos finales de la película Léon de 1994 y en la película Tres de corazones de 1993. A pesar de no alcanzar el top 50 en el Reino Unido tras su lanzamiento, se ha convertido en un clásico del pop y una de las obras de Sting más estrechamente asociadas con su carrera en solitario.
Sting explicó que a través de «Shape of My Heart» quería contar la historia de un «jugador de cartas, un jugador que juega no para ganar sino para tratar de descubrir algo; para descubrir algún tipo de lógica mística en la suerte, o azar; algún tipo de ley científica, casi religiosa.» Miller recordó que el riff de guitarra se originó a partir de un ejercicio de calentamiento centrado en sextos acordes similar a la música de Chopin. Optó por evitar el tercer grado del acorde y pretendía que la secuencia de acordes se pareciera a la obra de John McLaughlin. Cuando Sting se le acercó para desarrollar el riff en una canción completa, Miller dijo que era simplemente un ejercicio de calentamiento, pero él y Sting, de todos modos, pasaron la mañana desarrollándolo hasta convertirlo en una composición musical estructurada y grabando una demostración. Luego, Sting salió a caminar mientras reproducía la demostración en sus auriculares. Sintió que la música contaba la historia de un jugador y regresó con una letra para acompañar la composición.
SHAPE OF MY HEART
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2-«I Was Brought to My Senses» es una canción que aparece en su quinto álbum de estudio, Mercury Falling (1996), y fue lanzado por A&M como tercer sencillo del álbum el 2 de septiembre de 1996.
Después de una sección de apertura en 6/8, la canción cambia a 7/8, convirtiéndola en una de las muchas pistas de Sting que utilizan compases impares.
«I Was Brought to My Senses» es una canción sobre cómo lograr un mayor aprecio por la naturaleza. La canción comienza con un estilo de balada folk antes de pasar a una actuación de banda completa con lo que Sting llamó «una vibra brasileña».
Tras su lanzamiento como sencillo, «I Was Brought to My Senses» alcanzó el puesto 31 en el Reino Unido. A diferencia de los otros tres sencillos lanzados de Mercury Falling, la canción no llegó a las listas de Estados Unidos.
El solo de saxofón soprano es tocado por Branford Marsalis.
Para ver el video sólo tienen que dar un clic AQUÍ.
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Esta semana les dejo aquí en mi blog la canción Para que se repita una escena, inspirada en una prosa de Jorge Luis Borges: «La trama», la cual pertenece a su libro El Hacedor.
PARA QUE SE REPITA UNA ESCENA
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Música y letra: Óscar Perdomo León.
Bajo, guitarras y voces: O. P. L.
Batería: Your Drum Track y Loops de Cakewalk.
Grabación casera.
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“Lo matan y no sabe que muere para que se repita una escena.”
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Junio de 2025.
El Salvador en la América Central.
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Jorge Luis Borges
Para que su horror sea perfecto, César, acosado al pie de la estatua por los impacientes puñales de sus amigos, descubre entre las caras y los aceros la de Marco Bruto, su protegido, acaso su hijo, y ya no se defiende y exclama: ¡Tú también, hijo mío! Shakespeare y Quevedo recogen el patético grito.
Al destino le agradan las repeticiones, las variantes, las simetrías; diecinueve siglos después, en el sur de la provincia de Buenos Aires, un gaucho es agredido por otros gauchos y, al caer, reconoce a un ahijado suyo y le dice con mansa reconvención y lenta sorpresa (estas palabras hay que oírlas, no leerlas): ¡Pero, che! Lo matan y no sabe que muere para que se repita una escena.
FIN
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Noche Buena es una canción basada en el cuento homónimo de Salarrué, perteneciento a su libro Cuentos de barro.
En el cuento “Noche Buena”, que pertenece al libro Cuentos de barro, de Salarrué, el cura Peraza de la iglesia anuncia que para Noche Buena se estarán regalando juguetes para todos los niños. Ulalia, junto a sus hijos la Tina y Nacho, quienes viven lejos del pueblo, escucharon la noticia, así que el día señalado y después de una larga trayectoria, llegaron a la iglesia e hicieron la fila para conseguir los juguetes; pero al llegar frente al párroco él les dijo:
“-¿Y vos? ¿Vos no sos del pueblo, verdá?
-No padre-cura, soy del valle…
-¡Hum, hum!… ¿Tus cipotes nuán venido a la doctrina, verdá?
-No, Señor: tamos lejos…
-¡Hum, hum!… Para vos nuay; para vos nuay… ¿Entendiste? Para vos nuay… Pase lotra, pase, pase…”
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“Topadito al cerro, floriaba un lucero. La Ulalia iba, por el camino, de güelta. Con su voz tísica, decía:
-¡Apuráte, Nachito, andá! La Tina luiba jalando. Nachito decía:
-¿Y ed juguetes, mama?…
La camisa le llegaba al ombligo. Iba tranqueando. A lo lejos, se óiba el río embarrancado. En los claros, salían de los palos brazos negros, que amenazaban el cielo.
-¡Apuráte, Nachito, andá!…
-¿Y ed juguetes, mama?…
Al pasar por el rancho de ño Tito, la puerta de luz les cayó encima, y oyeron la risa de la guitarra.”
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NOCHE BUENA. Canción
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NOCHE BUENA
(Canción basada en el cuento homónimo de Salarrué).
Música y letra: Óscar Perdomo León.
Bajo, guitarras y voces: O. P. L.
Batería: Your Drum Track y Loops de Cakewalk.
Grabación casera.
Junio de 2025.
El Salvador en la América Central.
La máscara de la muerte roja es una canción basada en el cuento homónimo (de 1842) de Edgar Allan Poe.
LA MÁSCARA DE LA MUERTE ROJA
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En el Salvador el 17 de junio es el DÍA DEL PADRE. Esta semana les dejo una canción que compuse en el 2014: Sin decir adiós, dedicada a mi papá.
Esta versión que escucharán es una versión que grabamos Arecio De León, Karla González y yo en el 2020, en los días del encierro por la COVID-19, y está dedicada a todos esos papás que ya fallecieron.
SIN DECIR ADIÓS
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Música y letra: Óscar Perdomo León.
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Voz: Karla González.
Arreglos y teclados: Arecio De León.
Guitarra: O. P. L.
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Los locos y los nombres es una canción inspirada en el poema de Roque Dalton «Los locos. A los locos no nos quedan bien los nombres», que pertenece a su libro La ventana en el rostro, de 1961.
LOS LOCOS Y LOS NOMBRES
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LOS LOCOS.
A los locos no nos quedan bien los nombres.
Los demás seres
llevan sus nombres como vestidos nuevos,
los balbucean al fundar amigos,
los hacen imprimir en tarjetitas blancas
que luego van de mano en mano
con la alegría de las cosas simples.
Y qué alegría muestran los Alfredos, los Antonios,
los pobres Juanes y los taciturnos Sergios,
los Alejandros con olor a mar!
Todos extienden, desde la misma garganta con que cantan
sus nombres envidiables como banderas bélicas,
tus nombres que se quedan en la tierra sonando
aunque ellos con sus huesos se vayan a la sombra.
Pero los locos, ay señor, los locos
que de tanto olvidar nos asfixiamos,
los pobres locos que hasta la risa confundimos
y a quienes la alegría se nos llena de lágrimas,
cómo vamos a andar con los nombres a rastras,
cuidándolos,
puliéndolos como mínimos animales de plata,
viendo con estos ojos que ni el sueño somete
que no se pierdan entre el polvo que nos halaga y odia?
Los locos no podemos anhelar que nos nombren
pero también lo olvidaremos.
Roque Dalton.
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Tengo una novela que se ha estado gestando por años en mi cabeza y que no he podido escribir. Y me pregunto, ¿acaso ya no tengo nada que decir? Puede ser, pero me parece que ese no es mi caso. Esa novela no ha nacido porque no he podido dar aún con el tono de la narración. Ese tono para mí es esencial para poder escribirla.
Un mundo que ya no es cierto es una canción nostálgica que habla sobre eso. Al final la realidad de todo nuestro presente está conectada con un pasado al cual nunca volveremos.
UN MUNDO QUE YA NO ES CIERTO
Si acaso no podés hacer correr el video acá en mi blog, entonces sólo tenés que dar un clic AQUÍ.
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Esta semana les dejo esta canción que se me ocurrió hacer hace sólo un par de días. Se llama Narcisista.
NARCISISTA
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Música y letra: Óscar Perdomo León.
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Bajo, guitarras, voces: O. P. L.
Batería: loops de Cakewalk.
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Grabación casera.
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Abril de 2025.
El Salvador en la América Central.
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Esta semana les dejo mi canción Noctámbulos, la cual contiene un pequeño homenaje a Queen.
NOCTÁMBULOS
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Música y letra: Óscar Perdomo León.
Bajo, guitarras y voces: O. P. L.
Batería: Loops de Cakewalk.
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Grabación casera.
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NOTA. La imagen de arriba es de la pintura Noctámbulo, de Edward Hopper ( 1882-1967 ).
Noctámbulo («Nighthawks»)
Óleo sobre lienzo 84x 152,5 cm.
Art Institute Chicago , Illinois.
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Esta semana les dejo aquí mi canción El universo aguarda.
EL UNIVERSO AGUARDA
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Música y letra: Óscar Perdomo León.
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Bajo, guitarras y voces: O. P. L.
Batería: Loops de Cakewalk.
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Grabación casera.
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Abril de 2025.
El Salvador en la América Central.
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1-TURN OF THE CENTURY es una canción (música y letra de Jon Anderson, Steve Howe y Alan White) del grupo musical de rock progresivo Yes, que forma parte de Going for the One, el octavo álbum de la banda británica, editado en 1977.
Con respecto a Turn of the Century, Jon Anderson dice que pensó «en la historia de un escultor que quiere hacer una estatua de piedra dedicada a su amada, fallecida en invierno. La inspiración primigenia me vino de la ópera La Bohème y (obviamente) del mito clásico de Pigmalión. El punto culminante de este cuento es que el escultor pone todo su amor en esta estatua, y ella (finalmente) cobra vida.»
TURN OF THE CENTURY
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2-DON’T KILL THE WHALE es una canción de la banda británica de rock progresivo YES, lanzada como sencillo de su álbum Tormato de 1978. Alcanzó el puesto 36 en la lista de singles del Reino Unido.
La canción es corta en comparación con las canciones del álbum Tales from Topographic Oceans, de Yes, de 1973. Su estilo y letra la convierten en «una canción inusualmente directa para el grupo con su mensaje de actualidad», según el sitio web de la banda.
DON’T KILL THE WHALE
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Los libros de la buena memoria es otra de mis canciones favoritas del grupo de rock argentino Invisible.
Wikipedia dice: ««Los libros de la buena memoria» es una canción acreditada a Invisible, banda integrada en ese momento por Luis Alberto Spinetta, Pomo Lorenzo, Machi Rufino y Tomás Gubitsch. Está incluida como segundo track del álbum El jardín de los presentes, grabado en los estudios CBS, en el año 1974. En el tema Juan José Mosalini interpreta el bandoneón. Se trata de uno de los temas clásicos del cancionero de Spinetta.»
Atrás, de izquierda a derecha: Tomás Gubitsch, Machi Rufino y Luis Alberto Spinetta. Al frente: Pomo Lorenzo.
La canción Los libros de la buena memoria de Spinetta, como muchas de sus canciones, tiene una interpretación abierta y poética que invita a varias lecturas. La letra está cargada de imágenes sensoriales y filosóficas, que pueden evocar nostalgia, reflexión sobre el amor, el paso del tiempo y las emociones humanas.
Juan José Mosalini tocó el bandoneón en Los libros de la buena memoria.
Desde el título mismo (Los libros de la buena memoria) ya se tiene una fuerte carga poética y simbólica. En la canción, Spinetta explora la memoria, el tiempo y la trascendencia de los recuerdos, que quedan registrados como en un «libro» que atesora lo vivido.
La «buena memoria» podría aludir a recuerdos que valen la pena ser preservados, a una especie de sabiduría adquirida con el tiempo o incluso a la idealización de lo pasado. También puede tener una connotación filosófica, en la que la memoria se convierte en un refugio de experiencias, emociones y aprendizajes.
Spinetta solía jugar con significados abiertos y metafóricos, así que el título puede interpretarse de múltiples formas, dependiendo de la sensibilidad de quien lo escuche.
Algunos de los elementos clave en la canción incluyen:
La referencia al vino que «entibia sueños al jadear» sugiere un proceso de evocación del pasado, en el que el vino, como símbolo de placer o de conexión emocional, se asocia con la memoria y los recuerdos. El «libro de la buena memoria» podría interpretarse como un lugar simbólico en el que se almacenan los recuerdos felices o significativos, aunque también se observa una cierta tensión entre el idealismo y la melancolía.
La letra juega con la idea de un amor perdido o inalcanzable, ya que la voz del cantante parece hablar a alguien a quien no puede alcanzar, alguien que está ausente u «ocultó» bajo «sombras extrañas». Las referencias a «rojas y verdes luces del amor» pueden aludir tanto a las emociones intensas como a las contradicciones inherentes al amor, que se presenta como algo fugaz y esquivo.
Cuando Spinetta menciona que la persona amada es «el vestigio del futuro», hay una reflexión filosófica sobre el tiempo: el futuro, siempre incierto, puede ser una proyección de lo que se vive en el presente, y tal vez esta persona representa esa ambigüedad, algo que no está completamente definido pero que marca el destino del narrador.
La canción también tiene imágenes de transformación: el vino que vacía la botella, el mar que oscurece, y las referencias a la luna enrojecida o las impalas recorriendo el estante. Estas pueden ser metáforas del desgaste del tiempo, de cómo las emociones y las situaciones cambian o desaparecen, dejando solo rastros de lo que alguna vez fue.
La figura de estar «parado aquí esperando» en un ambiente que se oscurece refleja un sentimiento de espera o desesperanza. Hay una sensación de que el tiempo se estanca, y las cosas no avanzan, como el mar que «ya no sabe si descansará».
Al final, la imagen de los «tigres en la lluvia» y el licor que ya no vuelve se puede interpretar como una metáfora de la ruptura, la resignación y el fin de un ciclo. Los tigres, animales imponentes pero a la vez vulnerables bajo la lluvia, pueden simbolizar una batalla emocional que ya no tiene retorno, mientras que el licor, que alguna vez fue fuente de consuelo, ya no ofrece lo mismo.
La canción es una mezcla de amor, recuerdo, pérdida y reflexión sobre el tiempo. Habla de la lucha por mantener viva una conexión emocional con el pasado y con un ser querido, mientras se enfrenta a la inevitabilidad de la separación y el olvido. Es un poema que, como la música de Spinetta, invita a una interpretación personal y abierta, dependiendo de la vivencia de quien lo escuche.
Les dejo aquí abajo la grabación original de Invisible de 1974, seguida de un cover de Gustavo Cerati y otros.
INVISIBLE – LOS LIBROS DE LA BUENA MEMORIA (Official Audio)
Para quien no pueda hacer correr el video acá en mi blog, lo puede escuchar dando un clic AQUÍ.
Sigue leyendo «LOS LIBROS DE LA BUENA MEMORIA. Invisible. Versión original y versiones en vivo»
Sun king es una canción de 1969, perteneciente al álbum Abbey road, de The Beatles. Aunque adjudicada a Lennon y McCartney, Sun king es una composición practicamente cien por ciento hecha por John Lennon, quien dijo que la recibió a través un sueño.
George Harrison dijo en 1987, con respecto a esta canción, lo siguiente: «En ese momento, ‘Albatros’ de Fleetwood Mac estaba de moda, con toda esa reverberación en la guitarra. Así que dijimos: ‘Seamos Fleetwood Mac haciendo Albatros, sólo para empezar’. Realmente nunca sonó como Fleetwood Mac, pero fue el punto de origen.»
Sun king, al igual que «Because», muestra las armonías de voces de triple pistas de Lennon, McCartney y Harrison.
Una curiosidad es que el título original de esta canción fue «Los Paranoias».
Bueno, les dejo a continuación el cover de Sun king que hicimos Eric y yo.
SUN KING. The Beatles cover.
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Batería: Eric De León.
Bajo, guitarras y voces: Óscar Perdomo León.
Edición musical: O. P. L.
Grabación casera. Home made.
16 de marzo de 2025.
El Salvador en la América Central.
NOTA. En la fotografía de arriba aparece Eric De León, grabando la batería de Sun king.
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Estaba tratando de escribir una canción sobre un tema que me interesaba, pero de alguna manera no podía avanzar, y finalmente me salió otra cosa porque la canción Fantasmas venía y venía hacia mi cabeza, imponiéndose con fuerza, así que me dejé llevar y me di la libertad de mirar hacia adentro de mi corazón.
Les dejo la canción aquí abajo.
FANTASMAS
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Música y letra: Óscar Perdomo León.
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Bajo, guitarras y voces: Óscar Perdomo León.
Batería: Bucles de Cakewalk.
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Edición musical y de video: O. P. L.
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El Salvador en la América Central.
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Durazno sangando es un tema de 1975, perteneciente al álbum homónimo del grupo de rock argentino INVISIBLE y es una de mis canciones favoritas de toda la producción musical de Spinetta. (Aunque en cuanto a la composición el tema está acreditado a todos los miembros de Invisible, sabemos que Spinetta fue el compositor principal).
Invisible estaba formado por Luis Alberto Spinetta (guitarra y voz), Pomo Lorenzo (batería) y Machi Rufino (bajo). (En el año de 1976 se unió al grupo el guitarrista Tomás Gubitsch).
La letra de «Durazno sangrante» de Invisible es altamente simbólica y poética. Se puede interpretar de varias maneras, pero en general, parece hablar sobre el ciclo de la vida, la transformación y la trascendencia.
En términos generales, la canción parece hablar sobre la transformación del ser, la conciencia interna y la inevitabilidad del cambio. Es un tema recurrente en la obra de Spinetta, donde la naturaleza y lo espiritual se entrelazan para hablar de la existencia.
Bueno, el objetivo principal de esta publicación es la de que nos sumerjamos juntos en las diferentes versiones de la canción Durazno sangando.
Empezaré presentando aquí el tema original de 1975, seguido de la interpretación en vivo que hizo Invisible 34 años después, en el concierto de «Spinetta y las Bandas Eternas».
DURAZNO SANGRANTE (Invisible. Original de 1975)
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Sigue leyendo «DURAZNO SANGRANDO. Original y versiones en vivo»
El poema Arriba, abajo, de Ítalo López Vallecillos, de 1977, es aquí recitado y cantado.
Ítalo López Vallecillos (San Salvador, 15 de noviembre de 1932 – Ciudad de México, 9 de febrero de 1986) fue un poeta, historiador, periodista y editor salvadoreño.
1-Stefany Escobar recitó en el año 2012 el poema «Arriba, abajo», en el cortometraje Soledad.
2-Canción «Arriba, abajo» (2024) en la cual la letra es el poema de Ítalo lópez Vallecillos y la música fue compuesta por su servidor Óscar Perdomo León.
ARRIBA, ABAJO
Poema (recitado y cantado) de Ítalo López Vallecillos
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Bajo, guitarras y voces: Óscar Perdomo León.
Batería: Loops de Cakewalk.
Edición musical: O.P.L.
Edición del video: O.P.L.
Grabación casera.
Enero de 2025.
El Salvador en la América Central.
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THE LAZARUS HEART es una canción de Sting, de 1987.
Interpretación de la canción.
1. El sacrificio y el amor incondicional: La imagen de la madre empuñando la espada que hiere al narrador puede representar un tipo de amor doloroso y sacrificial, en el que el daño causado no es por malicia, sino como parte de la relación profunda e intrincada entre madre e hijo. El sacrificio evocado en el estribillo («Sacrificar una vida por los tuyos, yo sería la sangre del corazón de Lázaro») subraya este amor incondicional que se asemeja al acto de dar vida y enfrentar sufrimientos para proteger a otros.
2. El renacimiento y la transformación: El uso de «Lázaro» (quien en la Biblia es resucitado por Jesús) simboliza la capacidad de renacer o encontrar nueva vida a partir del sufrimiento. La herida, aunque dolorosa, se convierte en la fuente de una flor, una metáfora de algo hermoso y poderoso que emerge del dolor y la lucha.
3. La herencia emocional y la conexión intergeneracional: La mención de los pájaros y la casa de la madre sugiere un vínculo entre generaciones. Los «pájaros» pueden simbolizar problemas, preocupaciones o responsabilidades que pasan de padres a hijos. La imagen de los pájaros que un día se posarán en el techo del narrador implica la inevitabilidad de asumir esas cargas y la continuidad de la lucha.
4. La resiliencia: La madre, así como su hijo, en la canción son figuras de fortaleza, enfrentando las dificultades con valor. La referencia a que su madre «cuenta a todos sus hijos como un escudo contra la lluvia» muestra cómo ella encuentra fuerza en su familia para resistir las adversidades.
En resumen, la letra explora temas universales como el sacrificio, el dolor, la transformación y los lazos familiares. A pesar de la aparente oscuridad, también hay un mensaje de esperanza, crecimiento y redención.
THE LAZARUS HEART
(Letra en español e inglés)
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«Big River» es una canción escrita e interpretada por el cantante y actor inglés Jimmy Nail, incluida en su cuarto álbum de estudio del mismo nombre. La canción fue lanzada como sencillo el 16 de octubre de 1995, alcanzando el puesto 18 en la lista de singles del Reino Unido y el número 10 en Hungría.
El gran río al que se hace referencia en el título es el río Tyne que corre a lo largo del extremo sur de la ciudad natal de Nail, Newcastle. La canción es una elegía a los días en que la construcción naval y la industria en general estaban en su apogeo en Newcastle y lamenta el declive posterior de la industria y, por lo tanto, la disminución de la importancia y actividad del propio Tyne. Sin embargo, en el último estribillo, la canción da un giro más esperanzador.
El trabajo de guitarra en la canción estuvo a cargo del líder de Dire Straits, Mark Knopfler, quien aparece en el video musical. La canción fue adoptada como himno por los trabajadores de Liverpool durante un cierre patronal el invierno siguiente.
BIG RIVER
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LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN. Haciendo uso de mi libertad de expresión. El Salvador, en la América Central. Publicación cada martes. (Y en ocasiones, podrán encontrar dos publicaciones por semana). 