Si no fuera por el acento al hablar, todo lo que ocurre en esta película bien podría estar ocurriendo en El Salvador. Salvando las diferencias por supuesto, las similitudes de exclusión social y falta de justicia entre Argentina y El Salvador son muchas.
El subdesarrollo, la pobreza, la violencia en una zona marginal, es donde se desarrolla la trama de la película Elefante blanco (del año 2012), dirigida por el argentino Pablo Trapero.
Esta película boliviana del año 2007, se desarrolla en la ciudad de Uyuni, un lugar en todo gira al rededor de las minas. Ambientada en los años ´20s del siglo pasado, nos muestra la ambición, la xenofobia y la intolerancia religiosa. Pero también el valor de ser genuino o fiel a uno mismo, valor encarnado en los personajes de Alfonso Claros y Claudina Morales.
Klass (La clase) es una obra cinematográfica de Estonia del año 2007, escrita y dirigida por Ilmar Raag. Es una película de ficción, pero basada en hechos reales.
Toda la trama se desarrolla en una escuela secundaria y específicamente en una clase. El tema central es el abuso físico y psicológico que casi toda una clase hace sobre uno de sus compañeros.
Sin embargo, con la evolución de la historia, puede uno preguntarse, ¿qué pasa en la sociedad para que estos estudiantes de bachillerato actúen de esa manera?
Pärt Uusberg y Vallo Kirs.
Los protagonista principales son: Joosep, Kaspar y Anders. Joosep (Pärt Uusberg) es un joven introvertido, tímido, poco sociable, que con el pasar de los días se vuelve amigo de Kaspar (Vallo Kirs). Anders (Lauri Pedaja) personifica al matón que dirige a sus compañeros de clases, es el que organiza la violencia y decide los «castigos» contra Joosep.
El valor de la solidaridad se ve reflejado en Kaspar; y todo aquello negativo en cuanto al acoso escolar (conocido en muchas partes del mundo con la palabra inglesa bullying) lo podemos encontrar en el resto de compañeros de clase de Joosep.
También, en este punto, sería importante hacer notar la poca comunicación y falta de confianza entre los alumnos y sus padres y profesores. Este punto no es vano; a través de la confianza y la comunicación, el final de esta historia pudo haber sido muy diferente.
Lauri Pedaja.
Este largometraje es intenso, con escenas que, aunque a veces no son tan explícitas, tienen la fuerza suficiente para golpear la consciencia del espectador e involucrarlo en la trama; ésto no sólo por la manera en que el director narra cinematográficamente la historia, sino gracias a las actuaciones, que son verdaderamente convincentes.
Es de hacer notar que la fotografía, de Kristjan-Jaak Nuudi, que tiene un tono frío y sombrío, tal como el clima de la época del año en que se lleva a cabo la historia, hace juego perfectamente con el ambiente tan adverso hacia Joosep y el comportamiento aberrante de sus compañeros.
Aunque al inicio de la película hacen ver que la historia está basada en un hecho real, no se especifica en cuál; una pista la encontramos casi al final, en la mochila de Joosep, en donde me parece que dice Columbine, lo que nos podría llevar a pensar en los trágicos acontecimientos que ocurrieron en el bachillerato de Littleton, Colorado (U.S.A.), en 1999.
El asesinato y el suicidio son temas que causan controversia, que tienen orígenes múltiples y combinados, y en donde entran la psicología, la sociología y la antropología a dar explicación. Las relaciones familiares deberán tomarse muy en cuenta a la hora de evaluar las conductas de los estudiantes.
Klass, que estuvo nominada al Oscar como mejor película en lenguaje extranjero, es uno de esos largos que no podemos dejar de ver, por la temática tan actual y cruda, por la excelente dirección y por la autenticidad de las actuaciones.
«También la lluvia» es una película de 2010 dirigida por Icíar Bollaín y guion escrito por Paul Laverty. Fue seleccionada para representar ese mismo año a España en los Oscar. Fue rodada en Bolivia y gran parte de las escenas fueron hechas en la ciudad de Cochabamba.
Cuenta con las actuaciones especiales Luis Tosar y Gael García Bernal.
Icíar Bollaín, la directora de esta película, nació en España y es también actriz.
El colonialismo que sufrió América después de la conquista, en este largometraje se muestra con un nuevo rostro, pero al ver el trasfondo de todo, se da cuenta uno que de alguna manera sigue vivo y que sigue siendo el mismo, es decir, un sistema para fastidiar a los más pobres.
Esta es una de esas películas que no deberíamos dejar de ver, por lo que, sin más preámbulos, les dejo aquí el enlace para que puedan verla.
Para poder ver esta película sólo den un clic al siguiente enlace: TAMBIÉN LA LLUVIA
Violeta se fue a los cielos es un largometraje del año 2011 sobre la cantautora, investigadora folclorista y pintora chilena Violeta Parra. La película se basó en la biografía escrita por su hijo Ángel Parra y fue dirigida por Andrés Wood.
Francisca Gavilán, en el papel de Violeta Parra.
La primera impresión cuando empecé a ver la película fue buena, porque la fotografía, que estuvo a cargo de Miguel Ioanis Littin, estuvo muy bien hecha; los colores son verdaderamente impactantes.
La actriz que llevó el papel de Violeta fue Francisca Gavilán, de quien puedo decir que me dejó totalmente impresionado; quedé cautivado desde los primeros minutos con su presencia. Para resumir: la actriz se convirtió en Violeta Parra. Incluso, ella cantó todas las canciones, tal como la hacía Violeta Parra.
Me gustó mucho la manera de contar su historia en la película, que no se hace cronológicamente.
Un largometraje altamente recomendable.
(No está de más mencionar que Violeta Parra era hermana del poeta Nicanor Parra, quien recientemente cumplió 100 años de edad.)
Bueno, aquí les dejo la película completa para que la disfruten.
A Robin Williams siempre lo voy a recordar por unas frases que dijo en la película La sociedad de los poetas muertos: «Nosotros no leemos y escribimos poesía porque es bonita; nosotros leemos y escribimos poesía porque somos parte de la raza humana. Y la raza humana está llena de pasión. La Medicina las Leyes, la Economía y la Ingeniería son actividades nobles y necesarias para sostener la vida. Pero la poesía, la belleza, el romance y el amor, son cosas por las que nos mantenemos vivos.»
Inolvidable película. Inolvidable Robin Williams.
En sus actuaciones en el cine siempre puso mucho corazón; sus personajes son verdaderamente intensos.
Pero como comediante, que creo era su esencia, siempre fue brillante, especialmente en la comedia stand up.
Este día les traigo dos escenas de la Sociedad de los poetas muertos.
¿POR QUÉ LEEMOS Y ESCRIBIMOS POESÍA?
Para quien no pueda hacer correr en mi blog el anterior video, lo puede hacer dando un clic en el siguiente enlace: ¿POR QUÉ LEEMOS Y ESCRIBIMOS POESÍA?
VER LAS COSAS DESDE OTRA ÓPTICA
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«Los revolucionarios que matan para castigar la discrepancia, son tan criminales como los militares que matan para perpetuar la injusticia.»
Eduardo Galeano.
«Fusilemos la noche» es un largometraje documental de 2013 dirigido por la periodista, activista política y cineasta austríaca Tina Leisch, que trata sobre la vida de Roque Dalton, uno de los poetas más sobresalientes de El Salvador.
El título del documental se deriva precisamente de un poema de Dalton que se llama «Aída fusilemos la noche», el cual les dejo más adelante, antes del avance de la película.
El documental empieza con la lectura de algunos fragmentos de algunos poemas de Dalton, los cuales se van intercalando en el trascurso de la historia. Un detalle que le pone mucha belleza al largometraje y que además motiva la imaginación, es presentar a cada momento fotografías de Roque, de gran tamaño, en los lugares adecuados y junto a las personas que cuentan cosas del poeta.
Pero la parte medular de la película se centra el los testimonios de quienes conocieron a Roque Dalton y además en su vida, la cual se va llevando por partes y por supuesto tomando en cuenta los diversos sitios geográficos en que vivió Dalton, iniciando con El Salvador 1935-1960. Luego sigue con Cuba 1961-1962, El Salvador 1963-1964, Praga 1964-1967, Viena 1967, Cuba 1968-1973 y El Salvador 1974-1975.
Entre los que lo conocieron y cuentan sus anécdotas y recuerdos sobre Roque están: Víctor Hugo Iraheta, Luis Domínguez Parada, Manlio Argueta, José Roberto Cea, Eliza Meza Romero, José Napoleón Rodríguez Ruíz, Aída Cañas de Dalton, Breny Cuenca, Eduardo Badía Serra, Roberto Fernández Retamar, Eraclio Zepeda, Míriam Chichay, Carlos Jurado, Ricardo Castrorrivas, Henry Ruiz, Ernesto Cardenal, Jorge Dalton, Rafael Moreno, Nina Serrano, Mirta Ibarra, Régis Debray, Rogelio París, Guillermo Rodríguez Rivera, Fernando López Junqué (Chinolope), Esperanza Rodríguez Piñero, Tirso Canales, Eduardo Galeano, Santos Lino, Saúl Mendoza, Porfirio Hernández, Eduardo Sáncho, Juan José Dalton, entre otros.
Tina Leisch.
Es también muy interesante la explicación que da Marco Hernández sobre el contexto político en el momento en que Dalton regresa a El Savador en 1973, así como la visión que nos ofrece de cómo estaba conformado el grupo clandestino ERP (culpable del asesinato de Dalton).
El día del estreno del documental en el MUPI. De izquierda a derecha: el cineasta Jorge Dalton (hijo del poeta Roque Dalton), Carlos Henríquez Consalvi (director del MUPI) y Tina Leisch.
Es realmente necesario que este documental sea visto por los salvadoreños. Ojalá que en un futuro no muy lejano pueda ser exhibido durante varias semanas en los cines del país, y en las escuelas y bachilleratos de todo el territorio salvadoreño.
Escrito por
Óscar Perdomo león
***
AÍDA FUSILEMOS LA NOCHE*
Aída fusilemos la noche
y la terrible
miseria colectiva.
Aquí tenemos estas cuatro manos
y tenemos mi voz.
Nos respaldan tus ojos
y tu suave
manera de ir queriéndome.
Nos respalda esa sangre proyectada
hasta el cuerpo del hijo.
Nos respalda esta atmósfera
este pan cotidiano
y estas cuatro paredes
que tutelan los besos.
Rompamos Aída esta tormenta amarga.
Hay que construir pañuelos con luceros
para secar las lágrimas del hombre.
Hay que llevar al niño
a su música antigua.
Hay que volver a fabricar muñecas
y hay que sembrar maíz en las ciudades.
Hay que dinamitar los rascacielos
y dar lugar para que ascienda el trigo.
Hay que hacer instrumentos de labranza
con los buses urbanos.
Aída, fusilemos la noche
y esa horrible bandera.
Aída fusilemos la noche
y los negros cañones
y las bombas atómicas;
fusilemos el odio
y la terrible
miseria colectiva.
***
* Diario Latino, 28 de enero de 1956.
Roque Dalton
***
FUSILEMOS LA NOCHE
Avance
Para quien no pueda correr el video aquí en mi blog, dé un clic en el enlace siguiente: FUSILEMOS LA NOCHE. Avance.
El cine es principalmente imagen, pero también música y literatura. Y cuando el cine se llena con una buena dosis de las tres, entonces la mezcla es atrayente y exquisita.
Para los que gustan de la poesía, mirarla pasar del libro al cine, puede ser un salto interesante. Y de hecho lo es. Las pruebas de ésto las pueden encontrar en muchas películas…
«El lado oscuro del corazón» es un largometraje de 1992 escrito y dirigido por Eliseo Subiela (1944), que trata con mucha elegancia y sobriedad la poesía. El amor de pareja, el desengaño, la pasión por el arte, la amistad y las noches, todo fluye con gran equilibrio en esta película.
La trama gira alrededor de Oliverio (Darío Grandinetti), un poeta que busca el amor en una mujer casi imposible: aquella que sepa volar. Y al mismo tiempo trata de esquivar a la muerte como puede, con quien conversa de vez en cuando.
El poeta vende su poesía para medio sobrevivir y entrega su pasión sexual a muchas mujeres, pero ninguna puede volar, hasta que conoce a Ana (Sandra Ballesteros), una prostituta que lo ilusiona con fuerza.
«Sólo de noche vienes» es una película de 1965, dirigida por Sergio Véjar, con las actuaciones de Julio Alemán y Elsa Aguirre, dos actores muy importantes del cine de oro mexicano. El guión fue escrito por Elena Garro.
Aunque es una producción mexicana, muchas de las locaciones que se usaron se encuentran en El Salvador. Es muy interesante mirar el viejo San Salvador de los años ´60. En el largometraje puede verse la Zona Rosa y algunas calles de la colonia San Benito, por ejemplo. Además hay varias escenas en La Puerta del Diablo.
Algunas escenas, como las de las procesiones de Semana Santa, fueron filmadas en Guatemala.
Los Hermanos Cárcamo
Otra cosa interesante es ver al trío salvadoreño Los Hermanos Cárcamo, muy jóvenes para entonces, pero ya muy desarrollados en cuanto a la calidad interpretativa musical. Al inicio de la película aparecen cantando la canción «Te deseo, amor». Para quienes no la conozcan, pueden escucharla completa, con Los Hermanos Cárcamo, en dos versiones que ellos interpretaron años después de haberla cantado en la película, una en el año 2002, y la otra en el año 1992; ambas en vivo. (Don Roberto Cárcamo, voz líder del trío, contó en una entrevista en febrero de 2002, que la oportunidad de aparecer en la película les surgió cuando Julio Alemán los escuchó tocar en el Hotel El Salvador Intercontinental, hoy conocido como Crowne Plaza).
Bueno, sin más preludios, los dejo con la película «Sólo de noche vienes».
«Una verdad incómoda» es un documental del año 2006 dirigido por Davis Guggenheim. La película es narrada y protagonizada por el ex Vice Presidente de Los Estados Unidos Al Gore.
El calentamiento global y las graves repercusiones que conlleva para el planeta tierra y el futuro de la humanidad, es el tema principal de este largometraje ganador del Oscar al mejor documental en el año 2006.
Es una película muy bien hecha, que nos muestra a través de gráficos, animaciones y argumentos bien sostenidos con una base científica, que la humanidad tiene que tomar un nuevo rumbo, si quiere mantenerse como especie durante muchos años más.
UNA VERDAD INCÓMODA
Para quien no lo pueda ver en mi blog, lo puede hacer dando un clic en el siguiente enlace:
Una secuencia muy especial de una película es aquella en donde a la protagonista los médicos de un hospital le comunican que su esposo y sus dos hijas han muerto. Ella, parada junto a su padre y estremecida por la noticia, se derrumba y llora con una credibilidad como pocas se han visto en la pantalla de cine. La película a la que me refiero es «21 gramos» (2003) y la protagonista es Naomi Watts. En esa ocasión ella fue nominada a un Oscar.
Ésta vez nos encontramos nuevamente a la histriónica Naomi Watts, regalándonos una actuación formidable, en «The impossible» (2012), un largometraje dirigido por el español Juan Antonio Bayona y escrita por Sergio G. Sánchez.
La trama de la cinta gira alrededor de la historia de supervivencia de una familia que, al ir a pasar sus vacaciones en un hotel en Khao Lak, Tailandia, se ve embestida por el tsunami de 2004. Es una historia basada en hechos reales.
«The impossible» no es una película de acción, aunque la hay, sino más bien, es un drama que trata sobre el tragedia vivida por María Belón y su familia. Creo que lo difícil de esta película, para todos los actores, fue el presentar la evolución de las emociones contenidas, el miedo, el desamparo, la incertidumbre, los sentimientos encontrados… Y me parece que quienes mejor pudieron mostrar y expresar toda esa gama de pasiones fueron dos actores: Naomi Watts (que interpreta el papel de María Belón) y Tom Holland (el hijo mayor de María Belón). Ambos lograron articular con sus gestos, sus miradas, con el tono de sus voces, la angustia y la desesperación que alguien podría sentir en una situación de desconcierto.
En el caso de Naomi Watts, hay que hacer ver que una buena parte de la película se la pasó en una camilla, acostada, y desde ahí, con la poca movilidad que ofrece esa posición, nos pudo mostrar una secuencia evolutiva de emociones; también pudo trasmitir muy bien el paso del buen estado de salud hacia la infección que adquirió a partir de la seria lesión que la avalancha de agua del tsunami le causó en una pierna: al principio no hay mayor molestia, a parte del sangramiento, luego se presenta el dolor intenso, las fiebres y las facies de alguien que está entrando en lo que se conoce en Medicina como sepsis (o septicemia), en donde se observan problemas con el estado de conciencia, como somnolencia, que luego puede avanzar de obnubilación hasta la inconsciencia. Y Naomi supo representar muy bien todos estos estados. (Aquí también sería conveniente hacer notar que el trabajo de dirección de arte y maquillaje fue muy bueno. Por ejemplo, el hospital de tercer mundo abarrotado de pacientes estuvo muy bien hecho).
En el caso de Tom Holland pude encontrar una inmersión total en su papel; supo conservar durante toda la película el tono de la actuación con una credibilidad bastante aceptable. Y él, junto a Naomi, le dio y supo mantener la tonalidad de la intensidad dramática durante toda la historia.
Ahora bien, dicho lo anterior, hay que aclarar que lo otros actores que intervienen y son parte de la familia, actuaron bastante bien.
Otra cosa que hay que mencionar son los efectos especiales. Excelentes. Nada que envidiar a cualquier otra superproducción.
Para los que no hayan visto «The impossible», los incito a verla. Es de esas películas que al final nos dan tema de conversación por horas y horas.
Religulous es un documental dirigido por Larry Charles y protagonizado por el escritor y comediante estadounidense Bill Maher (1956). Según Maher, el título de este largometraje es una mezcla entre las palabras «Religion» (religión) y «Ridiculous» (ridículo) (en español sería relíjulo). Es una visión humorística sobre la religión, pero sin perder por eso la profundidad, la investigación y la seriedad que debe tener todo documental.
Sin más palabras previas, los dejo con esta interesante película.
Si no pueden verla aquí en mi blog, entonces sigan este enlace: https://youtu.be/_5r2foDN7C8
pobre de este muchacho que nunca hirió a los árboles,
a quien todos exigen estos días
que lea amablemente a Jellinek,
que se acueste desnudo con las tarifas aduanales
y así jure ante el viento que el juez es superior al asesino.
Ah, Lisa, Lisa, estoy completamente herido».
ROQUE DALTON
(Poems in law to Lisa, La ventana en el rostro.)
Esta genial película de 1968, dirigida por Nagisa Oshima (1932-2013), introduce al espectador en un mundo que está entre el sueño y la realidad, con escenas absurdas y delirantes, pero con gran fuerza interpretativa y emocional.
El tema de un asesino coreano, conocido como R, que ha sido condenado a la horca por la justicia japonesa, plantea y cuestiona de una manera magistral y de una forma psicológica la pena capital.
Al principio de esta cinta se encuentra un lenguaje sexual directo. No habrá manera de sentirse indiferente y también confundido ante tal inicio. Pero pronto se cae en la cuenta que la tortura psicológica a la que aparentemente se está sometiendo al acusado, es una estrategia vital para los acusadores. Hay una escena de humor negro y desatinada en donde uno de los guardias que se encargará de colgar a R, asesina a una chica frente a R, con el fin de hacerle recordar su crimen y así desencadenar en él la culpabilidad, con lo cual ellos podrán ejecutarlo con tranquilidad de consciencia
Usando el blanco y negro y con escenas que rozan lo teatral, Nagisa Oshima (quien por cierto ganó como mejor director del Festival de Cannes en 1978) hace que la audiencia se sienta con dudas y reflexione sobre el papel de las leyes de un país y sobre la culpabilidad del asesino y del juzgador, así como sobre la discriminación racial de los japoneses hacia la minoría coreana.
Me resulta difícil trasmitirles el ambiente general de la película, porque todo parece ser onírico y al mismo tiempo sin dejar de estallar en realidad, justo en nuestras caras.
Sin más palabras, aquí les dejo MUERTE POR AHORCAMIENTO, como homenaje al recién fallecido Nagisa Oshima.
Este interesante mediometraje, «El mito de Osiris», nos conduce a través de los conocimientos y la cosmogonía del antiguo Egipto. Sus creencias mágico-religiosas han alcanzado a occidente hasta límites que al momento podrían ser inimaginables para muchos de nosotros.
El dios Osiris y su esposa Isis son el inicio y fundamento de la religión de los antiguos egipcios. Osiris era un dios grandioso que enseñaba a su pueblo sobre agricultura y sobre una gran variedad de conocimiento. En su reino había paz y felicidad. Pero su hermano Seth, preso de los celos y la envidia, lo asesinó y lo cortó en 14 fragmentos, los cuales arrojó alrededor de toda la tierra. Isis, inundada de dolor, derramó muchas lágrimas que formaron el río Nilo, elemental en la vida del pueblo. Isis buscó desesperada los pedazos de su esposo; pero sólo encuentró 13, faltaba el pene. Entonces, gracias al dios Thot, Osiris resucitó y luego se le colocó un falo de oro, con el cual fecundó a Isis, de donde nació el niño dios, conocido como Horus.
Las tres pirámides de Egipto y su relación con la constelación astronómica de Orión y con el dios Osiris es parte de la visión religiosa de ese antiguo pueblo. Osiris se convirtió en el rey de la noche y los egipcios creían que él era la estrella Orión, y creían que Isis era la estrella Sirio.
Sirio, la estrella más brillante del hemisferio norte, era la diosa Isis, la deidad de la fertilidad, y los egipcios la veneraban especialmente porque desaparecía del cielo durante 70 días (tiempo que duraba también el proceso de embalsamiento de las momias). Así, al amanecer, justo antes de la salida del sol, cuando la estrella Sirio centellaba en el horizonte, al mismo tiempo que el río Nilo crecía e inundaba los campos, colmándolos de humedad necesaria para los cultivos, la promesa de vida y resurrección se volvía realidad en el ideario mágico-religioso de los egipcios.
En esta película se puede ver también la analogía y la influencia de esta mitología egipcia sobre la cristiandad, y la manera en que la Iglesia Católica retomó muchos de sus símbolos. El documental plantea, por ejemplo, la teoría de que la virgen María cargando al niño-dios, no es más que Isis cargando al niño Horus.
3000 años antes de Jesucristo, ya los egipcios hablaban de una estrella (Sirio) que aparecía durante el nacimiento de Horus, que se puede comparar fácilmente con la estrella de Belén y el nacimiento de Jesús. Los científicos creen que los evangelistas escribieron sobre Jesús basándose en el mito de Osiris.
«Lucas estudió medicina en Egipto y volvió más tarde para ejercer el apostolado; un papiro griego cita a Lucas como arzobispo de Alejandría. Las Constituciones Apstdlicm cuentan que san Lucas orden6 a Avilius obispo de Alejandría como sustituto de Anianus, y un cronista oriental del siglo XII, Salomón de Basora, afirma que Lucas fue martirizado y enterrado en Alejandría. Diferentes transcripciones de manuscritos del tercer evangelio, citados en las notas de las Constituciones Apostólicas, afirman que este evangelio se escribió en Alejandría la Grande.» **
Pero también se pueden ver las influencias de Egipto en el Viejo Testamento: «El paralelismo existente entre la literatura egipcia y la bíblica es más frecuente de lo que se suele pensar. Así por ejemplo el estribillo del salmo 24: «Alzad, joh puertas!, vuestras frentes; alzaos más, joh antiguas entradas!, que va a entrar el rey de la Gloria, nos trae a la memoria un texto de las Pirámides (Pyr. 525-527): «Abríos puertas del cielo, separaos puertas del queblu*, para Horus y para el rey.» ***
Estas afirmaciones se pueden complementar leyendo el libro JESÚS, 3000 AÑOS ANTES DE CRISTO, escrito por Claude-Brigitte Carcenac Pujol.
Los dejo pues con el documental EL MITO DE OSIRIS.
Texto:
Óscar Perdomo León
*Queblu: aguas celestes situadas en los confines del mundo.
** y ***Fragmentos tomados de las páginas 22 y 24 del libro «JESÚS, 3000 AÑOS ANTES DE CRISTO».
Los que hayan leído las reseñas de películas que hago, se habrán dado ya cuenta que no me inclino mucho por las grandes producciones taquilleras; pero esta vez hago una excepción, porque mirar en la gran pantalla y con muy buen sonido un largometraje de acción del calibre de «Skyfall» (2012) de verdad que vale la pena. Esto lo digo tomando en cuenta que al entrar a verla mis expectativas eran precisamente las de ver una película de acción y fue lo que encontré.
La última producción que ha salido de la saga de James Bond es protagonizada por Daniel Craig (Bond), Judi Dench (M), Javier Bardem (Raoul Silva) y otros artistas de gran talento, como Naomie Harris y Ralph Fiennes. Fue dirigida por Sam Mendes, el gran director de la ganadora del Oscar «American beauty».
Hay un par de cosas que captaron mi atención. Una de ellas fue sin duda las grandes escenas de acción, muy bien logradas. La persecución en motocicletas, la lucha bajo agua fría o la pelea sobre el tren son excelentes.
Otra cosa que capturó mi interés fue el personaje muy bien desarrollado e interpretado por Javier Bardem, un malvado -¿homosexual, bisexual?- que intenta a toda costa vengarse de M, su ex jefe? No hay excesos en su actuación, Bardem está totalmente incorporado en alma y piel en su caracterización.
Cuando uno sale de un cine puede decir: “Me gustó la película”; o decir: “Estuvo más o menos”. Pero cuando se sale y una escena o un personaje permanecen en nuestra memoria, entonces nos podemos sentir más que satisfechos. Algo así me pasó a mí con «Sakyfall»: el personaje de Bardem es difícil de olvidar.
Muy recomendable de ver esta película del agente británico 007.
Los largometrajes pueden ser, como sabemos, de dos tipos, de ficción o documentales: el primer tipo nos recrea la realidad para que la veamos desde una nueva perspectiva, a veces usando mucho la fantasía y la creatividad; el segundo tipo nos acerca lo más posible a la realidad, sin dejar por eso de tener su toque artístico.
El presente documental (2011) toca tres temas muy apasionantes y que generan también controversia: el sexo, la muerte y el significado de la vida.
Algunas personas piensan que vivir sin Dios carece de todo sentido. Piensan que no creer en un ser superior o estar supeditado a sus reglas, le quita todo significado a la vida. Por lo tanto, si uno es ateo, ¿tiene significado la vida? ¿Por qué molestarse en levantarse por las mañanas?
¿Sin Dios podemos los seres humanos ser buenos o distinguir el bien del mal?
El temor a la muerte o el aburrimiento, la obsesiva actividad de un trabajo rutinario para tratar de sobrevivir, encontrar las maneras de enfrentarse a la vida o, por el contrario, buscar la forma de dar la espalda a la realidad…
¿Por qué Leon Tolstoi se alejó del mundo externo a adorar a Dios refugiándose en un monasterio? ¿Qué creía Albert Camus, siendo ateo, que podía darle significado a su vida?
Si el sexo es una conducta natural en toda la especie humana, ¿de dónde proviene toda esa culpa y remordimiento que tienen algunas personas al practicarlo?
¿Cómo encaramos la muerte? ¿Hay un más allá?
Este interesante documental, dividido en tres partes y presentado por Richard Dawkins, explora muchos puntos de vista y los contrapone. Nos transporta de un país a otro en busca de ideas e intentando dar una explicación a nuestra conducta sexual, nuestra preocupación por la muerte y por el significado de la vida.
Esta película es muy recomendable para los que gustan de meditar sobre el universo y la existencia humana.
(NOTA: Si lo desean pueden activar los subtítulos del documental.)
Nómadas del viento. Me encanta la traducción libre y casi poética de este documental, cuyo nombre en francés es “Le Peuple Migrateur”, un documental del año 2001 de Jacques Perrin.
Tendemos a pensar que los documentales son serios y sin la misma capacidad de mostrar la belleza artística con que lo hacen las películas de ficción. Nada más alejado de la realidad. Muchos documentalistas logran conducirnos, dentro de la misma realidad mostrada, hasta una cima en donde podemos mirar de una manera diferente esa misma realidad engrandecida y asombrosamente bella.
Una sensación de que el mundo es una gran pintura realista llena de aves fue lo que sentí al mirar esta obra de arte de la cinematografía.
En este largometraje se puede apreciar la migración de las aves en todo su esplendor. La toma maravillosa de los pájaros en pleno vuelo, los grandes tramos recorridos en el aire, las dificultades y los peligros que enfrentan, los cambios de estaciones y el tiempo, la fantasía de volar se vuelve realidad, la vida que germina explosiva y en grandes cantidades y variedades.
Este extraordinario documental vale la pena ser visto. Además, hay dos elementos que le dan un toque mágico: la música y la fotografía; ambas son exquisitas, realmente hermosas.
Texto y fotografía:
Óscar Perdomo León
Este artículo fue publicado originalmente en LA CINERATA.
Antes y después de su muerte, Leornardo Favio (28 de mayo de 1938 – 05 de noviembre de 2012) recibió muchos homenajes. El día de su muerte la Presidente de Argentina, Cristina Fernández de Kirchner, llegó al Salón de los Pasos Perdidos para darle el último adiós al realizador. El más reciente homenaje ha sido un corto (Favio: «Pasión, poesía y memoria») presentado en la inauguración del Festival de cine de Mar del Plata (Argentina), en donde se resalta y se le da el afecto merecido a la obra de Favio como cineasta. Sepamos que en dos encuestas que se realizaron entre críticos, historiadores e investigadores de cine en Argentina, Favio salió ganador en dos ocasiones; en 1998 se eligió El Romance del Aniceto y la Francisca, y en el año 2000 la ganadora fue Crónica de un niño solo, ambas obras de Leonardio Favio, un cineasta que se convirtió en un director de culto.
Además, su éxito como compositor y cantante de música popular le valió la fama y el reconocimiento en España y en toda América Latina. Nadie puede quedarse indiferente a algunas de sus canciones más conocidas como «Quiero aprender de memoria», «Ni el clavel ni la rosa», «El niño y el canario» o «Fuiste mía un verano», por ejemplo. Además, para ser justo, creo que hay que reconocer que su estilo al cantar y voz son totalmente originales.
Aunque el primer campo artístico en el incursionó Favio fue la actuación y el que le proveyó de más dinero fue el canto, hay que decir también que fue sin duda en el cine en donde Favio dejó una huella sin par.
Esta vez, como continuación del primer homenaje que hice en este blog a Leonardo Favio, les quiero dejar una entrevista que le hicieron en Café Las Palabras en mayo de este año, y luego el cortometraje del cual les hablaba al principio.
LEONARDO FAVIO EN CAFÉ LAS PALABRAS
FAVIO: «PASIÓN, POESÍA Y MEMORIA».
Cortometraje en homenaje a Leonardo Favio (1938 – 2012)
La primera vez que oí hablar de Leonardo Favio fue al ver su nombre escrito en un disco de 45 rpm que mi papá llevó a la casa. Luego llevó un disco LP, entonces conocí al cantante, al compositor; pero su faceta de cineasta, la más querida por él, la he conocido sólo hace muy poco tiempo.
Como cantante era muy bueno, como director de cine era un maestro. Y esto lo puedo afirmar con un ejemplo claro de su talento como cineasta: Gatica, el Mono, película de 1993, en la que nos cuenta la historia de la vida de José María Gatica, el «Mono», boxeador argentino y glorioso. El retrato que nos muestra con este largometraje de este peculiar boxeador, «basados en la mitología popular y recreados por los autores», nos pinta no sólo al valeroso púgil, sino también al hombre, con sus defectos y sus virtudes, con su manera picaresca de ser, sus mentiras divertidas (y a veces crueles) y su gusto por las mujeres, pero todo incrustado de una manera genial en los hechos históricos convulsos de la Argentina del siglo pasado. También se muestra su clara adhesión al peronismo y como por cuestiones políticas hicieron que terminara su carrera deportiva.
Protagonizada magistralmente por Edgardo Nieva y por Horacio Taicher, la película inicia con Gatico-niño, en el año de 1940 y su amistad eterna con el rusito Emilio Samuel Palanké, pasando por su vida boxística, su matrimonio, hasta su muerte, al ser arrollado por un bus en 1963.
Desde el inicio el director nos introduce en un mundo con una fotografía bellamente oscura, en el que por momentos la cámara lenta nos revela esos pequeños o grandes detalles que la vida nos oculta en su rapidez. El manejo del tiempo que corre y corre, presentado simultáneamente en momentos claves de su vida, es verdaderamente un efecto asombroso, un recurso atractivamente artístico. El engranaje perfecta y delicadamente hecho de cada suceso importante de Gatica es lo que más me gustó de la película.
Para los que no la hayan visto, aquí les queda.
Texto:
Óscar Perdomo León
NOTA: Esta reseña ha sido un pequeño homenaje a Leonardo Favio, quien falleció el o5 de noviembre de 2012.
Este artículo fue publicado originalmente en LA CINERATA.
Los documentales sobre algún evento histórico importante tratan de presentarnos la realidad de la manera más cercana a la verdad, aunque siempre con cierta inclinación hacia el punto de vista del realizador; sin embargo, cuando esa realidad es contada por los protagonistas mismos de ese evento histórico, entonces nos vamos acercando cada vez más a la verdad de lo ocurrido.
«Uno. La historia de un gol», un documental dirigido por Gerardo Muyshondt y Carlos Moreno, toma uno de los temas que más apasionan a las multitudes, el fútbol, y lo enfoca en la Selección Mundialista Salvadoreña de 1982, la que tanta alegría y tanta decepción causó al mismo tiempo a El Salvador. La alegría de eliminar a México y clasificar para ir a España ´82 y la decepción de alcanzar un deshonroso record mundial que hasta hoy es recordado.
Las condiciones sociales y la guerra civil fueron dos elementos que influyeron sin duda en la selección de fútbol de aquellos días. El país estaba radicalmente dividido y sin embargo la Selecta de aquellos días fue un punto de unión y convergencia entre los salvadoreños. En palabras del periodista deportivo Sergio Gallardo: «…bombas por todos lados, se caían postes, cortes de energía, atentados, bombas propagandísticas también, en cualquier lugar, menos en donde jugó la Selección.»
Las balas paraban en cada partido. Eran treguas militares no pactadas previamente. El fútbol tenía la magia de hacer de El Salvador una nación de hermanos.
Hay que hacer ver que era una selección que contaba con algunos de los mejores jugadores que ha tenido El Salvador, como el mundialmente conocido Jorge «El Mágico» González.
Para los que éramos unos jóvenes melenudos en aquellos días es grato escuchar hablar en esta película a los grandes de aquellos días, empezando con sus directores técnicos Mauricio «El Pipo» Rodríguez y Salvador «Chamba» Mariona, así como a los jugadores Jaime «La Chelona» Rodríguez, Norberto «El Pajarito» Huezo, Ever Hernández, Ramón Fagoaga, Mario «La Macora» Castillo, José María «El Mandingo» Rivas, Carlos Humberto «IMACASA» Recinos, Francisco «Paco» Jovel, Francisco «Pancho» Osorto, Baltazar Ramírez «El Pelé» Zapata, José Luis «El Chelis» Rugamas, Mauricio «El Tuco» Alfaro, Guillermo «Lorenzana» Ragazzone, Joaquín «La Muerte» Ventura, entre otros.
Jorge «El Mágico» González y Diego Armando Maradona, muchos años después de enfrentarse en el Mundial de España ´82.
El Salvador fue el primer país de Centroamérica en ir por primera vez en dos ocasiones a un Mundial, en llevar el portero más joven (17 años) a un mundial, en meter el primero y único gol en un Mundial que haya hecho Centroamérica y, por desgracia, en recibir la mayor goleada que se haya impartido en un Mundial. Sin embargo, La Selecta salvadoreña de aquellos días se enfrentaba a condiciones muy adversas, como por ejemplo, se le debían más de seis meses de sueldo a los jugadores. Además, el dinero que envió el comité organizador de la Copa Mundial para asegurar que la selección salvadoreña viajaría a España «se perdió», razón por la cual los mismos jugadores tuvieron que hacer una colecta a nivel nacional para conseguir el dinero de los pasajes de avión. Y para colmo, al llegar a España, la Selecta no tenía balones para entrenar y sólo llevaba un uniforme para jugar todos los juegos, porque esos implementos básicos también «se habían perdido».
¿Cómo ocurrieron los hechos? ¿Qué fue de la pelota cuadrada de la que hablaba el jugador mexicano Hugo Sánchez o qué fue de los 11 goles que dijo Maradona que le iban a propinar a El Salvador? ¿Qué comentarios tienen al respecto el arquero de la selección salvadoreña de 1970 Raúl «Araña» Magaña, el Dr. Juan Calix, médico de la selección del ´82 y el ex entrenador de la selección de Honduras Ramón Enrique «El Primitivo» Maradiaga? ¿Qué comentarios tiene al respecto el director técnico de la selección del ´70 Hernán Carrasco Vivanco? ¿Qué tienen que decir los jugadores, los verdaderos protagonistas de aquel evento histórico después de 30 años? ¿Realmente eran unos jugadores tan malos como para sufrir esa humillación de perder 10 goles a 1 contra Hungría? ¿Fue toda la culpa del portero Luis Ricardo Guevara Mora? ¿Por qué la Selecta salvadoreña jugó mucho mejor contra Argentina, quien era el campeón del mundo? Estas y otras muchas dudas se esclarecen en este largometraje.
El tema es todavía muy controversial en las conversaciones y en el imaginario colectivo salvadoreño. Y estoy seguro que los salvadoreños que vean este documental sentirán que les toca las fibras más sentidas del corazón.
LA CASA DE ÓSCAR PERDOMO LEÓN. Haciendo uso de mi libertad de expresión. El Salvador, en la América Central. Publicación cada martes. (Y en ocasiones, podrán encontrar dos publicaciones por semana). 